很多優秀的表演演員都是從
舞臺劇表演開始自己的演藝生涯的。
比如拿到金棕櫚的韓國電影《寄生蟲》，主演宋康昊在成為電影演員前，以舞臺表演為事業主線，直到與李滄東合作電影《綠魚》后才將事業重心轉移。
比如近兩年每年都在院線露臉好幾遍，今年夏天在《銀河補習班》，馬上又要在《我和我的祖國》中與觀眾見面的任素汐。她在成為影視劇演員前，也是出色的戲劇演員。她的老粉絲，稱呼她為“小劇場女王”。
李滄東導演觀看了宋康昊的舞臺劇演出大受觸動，邀請他來參演自己的電影，而這位拿下韓國所有電影節影帝的演員，在拍電影伊始，思考的第一件事是“電影演技”和“話劇演技”的區別。
宋康昊或是任素汐從舞臺到電影的轉變十分出色。對于他們來說，媒介的改變似乎沒有影響演技的發揮。這主要是由于他們把握住了表演的核心，并且完全懂得在舞臺上演戲和在鏡頭前演戲的區別。
與他們相對，也有不少影視劇演員，從大銀幕小熒屏走到了舞臺上，業內流傳著“舞臺表演更能鍛煉演技”的說法。
要理性討論何種媒介更“鍛煉演技”還需要更詳細地論證，但從以上兩點的確可以看出舞臺表演和在鏡頭前表演是不一樣的。
用美國演員托尼·巴爾（Tony Barr, 1921-2002）的話來說，“電影和舞臺，一枚硬幣的正反面”。
“非常重要的一點是，如果我是在教舞臺表演，我也會用同樣的開場白：停止表演，開始聆聽；保持簡單，不失激情！”
在劇場里，觀眾可能離你只有幾米遠，也可能離你有兩層樓座的距離，而你有責任把所有信息傳達到觀眾席最遠的角落。所以，你需要用更大的能量表演，用更高的音量說話，肢體表現要更加夸張，而細節的微妙之處則很可能會丟失。盡管如此，舞臺表演的寬容度非常大，因為觀眾就算看不到微妙之處，也會認為細節是存在的。一場演出是“充滿暗示”，還是僅僅停留在膚淺的姿勢、表情和動作而沒有背后的真正沖動，在坐在前幾排的那些人以外的觀眾眼里，看上去可能都像真的。
當你在電影中表演時，因為觀眾通常只和你相距一兩米（用鏡頭的位置算），你可以很輕松地向觀眾傳達你的思想和情感，就像和坐在桌子對面的人交流一樣。鏡頭差不多能觸到你的鼻子，話筒幾乎就在你的眉毛上。而且，由于電影這個媒介本身的特質，導演和剪輯可以（自行決定）讓觀眾在一場關鍵的感情戲里目不轉睛地只關注你的表演和表情。在電影院里，你的個頭被放大了很多倍，肢體表現的任何細微之處也被放大了。在電視上，一個充滿屏幕的特寫就會讓觀眾把所有注意力放在你的臉上，所有細節同樣能被觀察到，而且在一定程度上也被放大了。
因為在電影媒介中，你離觀眾的距離實在太近了，他們很容易就能理解情節，而且因為他們的全部注意力都被引向了你，你可以輕而易舉地傳達信息。除此之外，剪輯通過把觀眾的注意力急速地從一個人或者一件事轉移到別的人或事上，能夠讓情節更加戲劇化。在一部剪輯高明的電影中，畫面的剪切都是由刺激引起的。大多數時候，那些刺激影響的都是下一個鏡頭中將要出現的人物。本質上，剪輯表達的就是刺激所產生的效果，所以你不需要給你的反應加戲，不然效果就太過了。因此，戲劇中為了達到自然的效果而比生活中夸張的風格，在電影中變得不必要，甚至是不受歡迎。而且，如果你有任何不忠實于角色所思所想的行為，觀眾都能夠覺察到。鏡頭前容不得欺騙。你要么真誠，要么虛偽。
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中影人藝考表演學院小影整理的關于演員在舞臺劇中與在鏡頭中表演有什么不同的全部內容了。通過閱讀本篇文章同學們一定對表演有了更多的認知。如還有表演舞臺劇相關的問題，可以繼續關注本站！
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